ENSAYO COSTUMBRES FUNERARIAS

 DEBER

Cementerio de San Diego de Quito: lírica del material y sinfonía de un patrimonio funerario

Resumen: En el cementerio conviven diversos estilos artísticos y constructivos de diferentes épocas. Además representa de manera fiel las costumbres y tradiciones de la sociedad quiteña. Por estos atributos, en 2002, fue declarado “Patrimonio Cultural del Estado Ecuatoriano”.

historia

Recién finalizada la etapa de colonización en la ciudad de Quito, nuevas demandas en servicios básicos y religiosos aparecieron. Un primer cementerio era apremiante en aquella ciudad en transformación, donde la existencia de clases sociales y la densidad demográfica eran característica principal dentro de una sociedad costumbrista y conservadora. Ante esta exigencia social, se instaló el primer cementerio ubicado en la Iglesia del Sagrario, sitio que recogió a varios personajes de la ciudad. Fue constituida en una construcción muy rudimentaria del siglo XVI.

Posterior a su edificación, le siguió la Iglesia de Santo Domingo, que entregó el mismo servicio funerario. Las tumbas fueron ubicadas en las gruesas paredes de los corredores de los claustros de ambos santuarios.

A la par que Quito crecía, tanto en lo urbano como en las necesidades básicas de sus habitantes, el cementerio constituyó un importante servicio requerido masivamente. Por un lado, las iglesias ya no poseían suficiente espacio para la gran cantidad de demandantes, mientras que, por otro, la jerarquización social, política y racial existente, a más de la manifestación del mestizo como una nueva clase social, hizo que la iglesia católica tenga en mente nuevos proyectos vinculados con el acoplamiento y construcción urbano-marginal de los servicios funerarios.
Razones no faltaron para desplazar a las nuevas clases sociales hacia los extramuros de la ciudad, y dar por cumplido con las normas de salubridad que regían en aquella época. Según los historiadores, este sitio se ubica actualmente en el Hospital San Juan de Dios.

Dado el tiempo y las exigencias de los habitantes por ofrecer a sus difuntos una inhumación acorde a lo que determinaba la iglesia católica, se creó la Hermandad Funeraria, conformada por religiosos dominicos y franciscanos, grupo que gestionó la creación y apertura del Cementerio de San Diego en el año de 1872. Este grupo cambió su nombre a Sociedad Funeraria Nacional, con el que se le conoce actualmente, como resultado de la disolución ulterior de las dos instituciones religiosas a causa de una mala administración.

Mausoleo de la familia Bueno

Mausoleo Virgilio y Honorio Jaramillo (alto relieve, bronce).
Autor y diseño: Luis Mideros.

Por varias décadas el Cementerio de San Diego se ha constituido en un ícono referencial dentro de la historia de la cuidad de Quito, por lo que en el año 2002 es proclamado “Patrimonio Cultural del Estado Ecuatoriano”, situación que surgió gracias a la puesta en valor de los mausoleos que alberga este corto espacio, caracterizado por una arquitectura de referencias republicanas y obras escultóricas. Fue una propuesta de arte funerario que acentuó las condiciones sobre las diversas clases sociales y, principalmente, sobre la evolución de las expresiones culturales.

Los sistemas constructivos y decorativos

Los mausoleos fueron llamados así en referencia al rey de Caria, Mausolo, quien mandó erigir una tumba suntuosa hacia el año 353 a.C., con ayuda de su esposa la reina Artemisia II. Estas tumbas se consolidaron como un importante sistema constructivo modelo para monumentos funerarios, que se aplicaría, dentro de las tendencias estéticas, durante centenares de años.

Mausoleo de la familia Gangotena Posse y Chiriboga Gangotena.

Por finados, ritos funerarios ancestrales

Los museos y centros culturales de Quito pondrán en escena, hasta el 2 de noviembre próximo, la propuesta “Difuntos, el Poder del Adiós”. Como parte de esta programación se recrearán los ritos funerarios precolombinos, en los museos de sitio Rumipamba y La Florida.

Este proyecto cultural busca difundir la riqueza de nuestra cultura, la historia y tradición en tiempo de difuntos.

Para participar en estos recorridos el valor simbólico es de 2 dólares que incluye: transporte, colada morada y guagua de pan. El cupo es para las 50 primeras personas que se comuniquen al teléfono 2242313.

Este sábado 26 de octubre de 09:00 a 13:00, en el Parque Ecológico y Arqueológico Rumipamba (Mariana de Jesús y Mariscal Sucre), se realizarán los circuitos religiosos-arqueológicos denominados “Ruta Funeraria, Cantos y Lamentos”.

Este circuito iniciará a las 09:00 en la iglesia de la Compañía de Jesús, en el Centro Histórico, y luego de recorrer el templo los ciudadanos que se hayan inscrito serán transportados en un bus al Parque Rumipamba. Ahí se llevará a cabo la recreación de un rito funerario de los primeros pobladores de Quito.

Posteriormente, los asistentes serán conducidos al Museo de Sitio La Florida para escuchar a los ‘Lamenteros’ de Calderón, quienes también ofrecerán un rito funerario.

Rumipamba y sus tumbas

Según varios datos históricos, el actual parque arqueológico Rumipamba fue, hace 1.500 años, un reducto habitacional, un sitio donde se establecieron las viviendas de los antiguos pobladores de Quito. Aquí los  entierros se realizaban muy cerca de las propias viviendas y muchas veces debajo de ellas.

La administradora del Parque Rumipamba, Bernarda Icaza, reseña que, para realizar los ritos funerarios se trasportaba al difunto desde un sitio donde se podía ver el Pichincha, montaña sagrada para todas las comunidades que se asentaron en este sector. “Desde este lugar se bajaba al entierro”, señala.

Icaza cuenta también que “en Rumipamba las tumbas eran de forma circular y se enterraba al difunto en posición fetal, envueltos en telas que ellos mismos tejían con lana de llama. Se lo acompañaba con un ajuar funerario compuesto de ollas y vasijas con chicha, granos de maíz y otros productos”. Esto, porque, de acuerdo a la cosmovisión andina, los muertos pasaban a una nueva vida e iban a necesitar esos objetos y alimentos.

También se conoce que, luego de los entierros, se comía alrededor de la tumba, compartiendo así con el difuntito la chicha y la comida.

En La Florida a los muertos se los enterraba sentados

En el sitio donde actualmente está emplazado el Museo de Sitio La Florida, sus habitantes originarios tenían otras costumbres y a los muertos los enterraban sentados en tumbas profundas y con ajuares funerarios muy lujosos. Antes del entierro se realizaban recorridos pomposos con el difunto, en andas de madera y con la participación de mucha gente.

La invitación está abierta a la comunidad para compartir la herencia de estos ritos funerarios ancestrales, de modo que los habitantes de la ciudad conozcan esta interesante parte de nuestra historia e identidad.

Resumen

Cuenta el viaje de Manolo, un joven torero que se debate entre cumplir con las expectativas de su familia o seguir su corazón y dedicarse a su verdadera pasión: la música. Antes de escoger el camino que seguirá, se embarca en una aventura por tres mundos fantásticos donde deberá hacer frente a sus mayores miedos. Producida por Guillermo del Toro.

El Taj Mahal

historia del arte II

El Taj Mahal, construída por el capricho de un enamorado príncipe, es una maravilla moderna ubicada en la India, reconocida como Patrimonio de la Humanidad.

El Taj Mahal, o “la Corona del Palacio”.

El Taj Mahal no es solo una de las maravillas del mundo moderno, es mucho más. Este complejo de edificios construido entre 1631 y 1654 en la ciudad de Agra (India) por un emperador como mausoleo para su esposa favorita, encierra detrás todo un monumento a una historia de amor.
El príncipe Shahbuddin Mohammed tuvo una de las mejores educaciones de la época y a pesar de la riqueza ilimitada de su familia nunca mostró interés por la riqueza ni los intereses de esta. Un día el príncipe se enamoró en un bazar de la princesa Arjumand, de sólo 15 años, hija del Primer Ministro de la Corte. El príncipe, impresionado por su belleza, preguntó el precio del collar de cristal que ella se estaba probando. Le respondieron que no era de cristal sino de diamantes y que valía 10.000 rupias. El príncipe pagó sin dudarlo y así conquistó de inmediato el corazón de la princesa.

Pero los novios tuvieron que esperar cinco años para casarse, tiempo durante el cual no pudieron verse ni una vez. Finalmente la boda tuvo lugar en el año 1612, con una ceremonia espectacular, en la que el Emperador nombró a Arjumand Mumtaz Mahal, La Elegida del Palacio. Su amada no era su primera esposa, pero sí la favorita.

El príncipe fue coronado unos años después con el nombre de Shah Jahan, Rey del Mundo y gobernó en paz.
Pero unos años después de coronarse, sufrió la peor tragedia de su vida. Su amada y favorita esposa, Mumtaz Mahal, no resistió el parto de su 14º hija. En su lecho de muerte, la reina le pidió a su rey que construyera en su memoria un monumento sin igual en el mundo.

En su memoria contrató a 20.000 obreros para construir el que sería el mejor mausoleo del mundo y un ejemplo de simetría. El mausoleo de Taj Mahal, tiene ese nombre en honor también a su esposa, Mumtaz-i Mahal, cuyo nombre significa Perla del Palacio, según otras Elegida del Palacio. El nombre del mausoleo, Taj Mahal, a veces es considerado como una abreviatura del propio nombre de la emperatriz, pero también significa Corona del Palacio ya que, aunque se trata de una tumba, el emperador quiso ofrecerle a su esposa un palacio y una corona.
En una curva del río Yamuna se eligió el emplazamiento del increíble mausoleo.
Veintidós años de construcción con los mejores materiales, el mármol fino y blanco de sus paredes se trajo de las canteras de Jodhpur en elefantes jade y cristal de la China, turquesas del Tibet, lapislázuli de Afganistán, crisolita de Egipto, ágata del Yemen, zafiros de Ceylán, amatistas de Persia, coral de Arabia, malaquita de Rusia

, cuarzo del Himalaya, diamantes de Golconda y ámbar del océano Indico.
El emperador también se propuso que gracias a esta construcción, Agra tuviera más importancia que Delhi.
No se sabe quién fue exactamente el arquitecto del Taj Mahal. Se menciona el nombre de Ustad Isa, pero si este personaje existió o no, es pura conjetura. Otra leyenda local dice que el emperador mató a la esposa del arquitecto para que sintiera el mismo dolor que él quería reflejar al construir el edificio, y que después lo dejó ciego y cortó las manos para que nunca construyera algo igual, pero es algo que nunca se ha podido comprobar
 El emperador Shah Jahan quería construir su propio mausoleo en mármol negro, a imagen y semejanza del de su esposa, al otro lado del río Yamuna, y unir después ambos mediante un puente de oro. Hoy, al otro lado del río, frente al Taj Mahal, queda un resto, en piedra roja, de lo que se dice que fue el inicio de la construcción del edificio gemelo del Taj Mahal. Pero no llegó a construirse ya que Aurangzeb, tercer hijo de Shah Jahan, después de vencer a sus hermanos y hacerse con el poder, encarceló a su propio padre en la fortaleza roja de Agra.
Shah Jahan murió en prisión, después de largos años de enfermedad, contemplando desde sus alojamientos en el Fuerte Rojo el Taj Mahal, su gran obra, monumento a su amada y refugio para el descanso eterno de ambos. En su lecho de muerte, a los 74 años, pidió que se le colocara un espejo para ver la tumba de su esposa. Se dice que cuando murió, miraba el Taj Mahal.
El mausoleo está emplazado en un jardín simétrico, típicamente musulmán, dividido en cuadrados iguales, cruzado por un canal flanqueado por dos filas de cipreses donde se refleja su imagen más imponente. Hoy en día los jardines siguen siendo arados por bueyes, para sorpresa de muchos turistas.
El mausoleo, por dentro, deslumbra menos que por fuera. La cámara mortuoria está rodeada de finas paredes de mármol incrustadas con piedras preciosas que filtran la luz natural, traduciendo su belleza en mil colores. La sonoridad del interior, amplio y elevado, es triste y misteriosa, como un eco que suena y resuena, y nunca se detiene.
Pero el hijo del Shah Jahan rompió con la perfecta simetría del mausoleo por venganza, al enterrar a su padre al lado de Mumtaz Mahal. Ella está representada por una pequeña loza, y el Rey, por un tintero, símbolo de la mujer como un papel en blanco en la que escribe su marido.

El Taj Mahal no se trata de un solo edificio, sino de todo un complejo de grandes dimensiones. En total 22 pequeñas cúpulas simbolizan los 22 años que duró la construcción del Taj Mahal. Sobre el edificio hay una gran cúpula en el centro que es la Corona del palacio, Taj Mahal. Rodeando a esta hay cuatro chattris de cúpulas más pequeñas; y en los extremos de la plataforma se alzan cuatro minaretes culminados en cúpulas más pequeñas aún, construidos con cierta inclinación hacia afuera para que, en caso de derrumbamiento, no caigan sobre el edificio principal.

Rodeando al recinto hay una alta muralla de arenisca roja, rodeada a su vez de jardines, con una monumental puerta de entrada en el sur; por ella se accede a un inmenso patio de 300 m de ancho con un estanque de mármol en el centro y numerosos jardines y fuentes; el mausoleo propiamente dicho, construcción a la que habitualmente se hace referencia con la denominación de Taj Mahal, flanqueado por dos edificios simétricos, al oeste una mezquita de tres cúpulas construida en arenisca roja y mármol blanco, al este el llamado eco de la mezquita que no se usa para el culto por estar orientado en dirección errónea y cuya finalidad es mantener la simetría, siendo el río el telón de fondo de todo el impresionante conjunto. 

El Taj Mahal tiene algo de mágico, quizás por la tonalidad que le confiere el mármol del que está formado que cambia de color según la luz que recibe, o quizás por su significado, el caso es que al verlo nadie queda indiferente.

ARTE RENACENTISTA

EL RENACIMIENTO

Se denomina Renacimiento al movimiento cultural que surge en Europa el siglo XIV, caracterizado por un renovado interés por el pasado grecorromano clásico y especialmente por su arte.

CARACTERÍSTICAS GENERALES DEL ARTE RENACENTISTA

• ·         Imitación de la arquitectura y la escultura de Grecia y Roma.
•             Realización de una belleza ideal, ajustada a cánones dictados por la razón.
• ·         Búsqueda de la serenidad y el equilibrio que proceden de la armonía del todo.
• ·         Creación de obras, cuya claridad y perfección, atributos exigidos por la razón universal, les dan una validez permanente.
• ·         Es narrativa: expone historias y sucesos, reales o ficticios, sacados de la religión, de la mitología o de la historia.
• ·         Es realista: las figuras humanas o de animales, y los objetos inanimados están reproducidos con el mayor cuidado.
• ·         El cuadro se presenta con la perspectiva geométrica y da la ilusión de profundidad.
• ·         Se da interés preferente al cuerpo humano, en particular al desnudo, cuya anatomía se estudia y copia cuidadosamente.

EXPONENTES RENACENTISTAS

Leonardo di Ser Piero da Vinci

(15 de abril de 1452 – 2 de mayo de 1519)

Fue un arquitecto, escultor, pintor, inventor, músico, ingeniero, “el hombre del Renacimiento por excelencia”. Es uno de los más grandes pintores de todos los tiempos y quizá, la persona con más y más variados talentos de la historia.

Es el verdadero maestro de la perspectiva aérea, con la técnica del sfumato: las líneas del dibujo desaparecen y los límites de las figuras y volúmenes se difuminan. Con Leonardo el aire aparece en el lienzo, es el aire, en definitiva el que, difuminando los volúmenes, crea la ilusión de cercanía o lejanía, de perspectiva.

Una de sus obras más famosas: La Gioconda (Mona Lisa), La última cena y La Virgen de las Rocas.

Análisis de sus obras

Obra: La Gioconda   1503-5 d.c.

Análisis simbólico

Sfumato: el contorno borroso y los colores suavizados que permiten fundir una sombra con otra y que siempre dejan algo a nuestra imaginación."

(E. Gombrich)

La serena majestuosidad de La Gioconda, que en otros pintores es imposición del cliente, es en Leonardo el resultado de sus especulaciones filosóficas sobre el alma humana. No recurre ni a la actitud sofisticada, ni al lujo de los vestidos, sino, simplemente, a la profundización de la idea de belleza, a través del juego de luces y sombras en suave transición y de la disposición serena de la actitud.

La modelo carece de cejas y pestañas, posiblemente por una restauración demasiado agresiva en siglos pasados, en la cual, se habrían barrido las veladuras o leves trazos con que se pintaron. Según otros expertos, Leonardo nunca le pintó cejas ni pestañas para dejar su expresión más ambigua o porque, realmente, nunca llegó a terminar la obra. El personaje dirige la mirada ligeramente a la izquierda.

La Sonrisa

En el siglo XVI Leonardo da Vinci pintó la Mona Lisa dando el efecto de que la sonrisa desaparezca al mirarla directamente y sólo reaparezca cuando la vista se fija en otras partes del cuadro.

El modelado de las manos       

Pero todos estos recursos no nos ocultan una representación maravillosa del cuerpo viviente; observemos el modelado de la mano o las diminutas arrugas de las mangas. Impresión de dureza y rigidez

Análisis de Composición

Técnica minuciosa y reiterada, en la que es imposible de distinguir la individualidad de las pinceladas. Por ello, posee una morbidez y unidad difícilmente igualadas

Óleo sobre tabla                                                                                                       77 x 53 cm

Comentario

El retrato de Mona Lisa puede considerarse, sin lugar a dudas, como la obra de este género pictórico más famosa que existe en el mundo.

Obra: La Última Cena   1498 d.c.

Análisis simbólico

Representa la escena de la Última Cena de los últimos días de la vida de Jesús de Nazaret según narra la Biblia. La pintura está basada en Juan 13:21, en la cual Jesús anuncia que uno de sus 12 discípulos le traicionaría.En la obra podemos apreciar aun los rasgos de estupor, edad, temor y carácter de los apóstoles en contraste con el blanco del mantel y el colorido de sus vestimentas. La serenidad de Cristo contrasta con la agitación y el dinamismo que emana de los apóstoles que se interrogan.

Análisis de  Composición

Usando la horizontalidad teatral pinta una gran mesa cuadrada, los apóstoles sentados y dispuestos en grupos de a tres, alineados a ella con Jesucristo en el medio (majestuoso como un triángulo equilátero) y detrás una sala grande con ventanas al exterior, viéndose un paisaje montañoso en ellas. Todo bajo un techo de vigas de madera; todo elaborado con formas cuadradas: las ventanas, la mesa, la caída del mantel en la mesa, el techo…

Pintura mural para el refectorio del monasterio de Santa María delle Grazie, Milán.

Empleo experimental del óleo sobre yeso seco

Técnica mixta, 460 x 880 cm

La Última Cena (copia) óleo sobre lienzo, 418 x 794 cm -Da Vinci

Comentario

Leonardo fue un perfeccionista en todo aspecto, uno de los personajes que ha llevado a límite las capacidades humanas desarrollando una serie de inventos científicos que nos ha permitido facilitarnos la vida hasta hoy en día.

Este personaje ha dejado impreso su paso en la historia de la humanidad con las representaciones de distinta obras inmortalizadas en cuadros o en simples manuscritos de papel que hoy en día tiene mucho, y nos permiten conocer una parte de su ideales.

En conclusión: la pintura de Leonardo da Vinci es la culminación del clasicismo y del naturalismo.

Michelangelo di Lodovico Buonarroti Simoni

(6 de marzo de 1475-18 de febrero de 1564)

También conocido en castellano como Miguel Ángel, fue un escultor, arquitecto y pintor italiano. Es uno de los más grandes artistas de la historia. Miguel Ángel , fue uno de los artistas más reconocidos por sus esculturas, pinturas y arquitectura.

Uno de sus aportes: Pinturas como: “La Virgen de las Escaleras” y ”Combate de los centauros contra los lapitas”; diseñó la cúpula del Vaticano, modificando el proyecto de Bramante y dándole un perfil más elevado; La fachada de san Lorenzo; Sacristía Nueva y Vestíbulo de la Biblioteca Laurenciana.

Análisis de sus obras

Obra: Interior  De La Capilla Sixtina 1509 d.c.

Análisis simbólico

Buonarroti elaboró en tres periodos sus frescos; el primero entre enero y septiembre de 1509; el segundo entre septiembre de 1509 y septiembre de 1510; y el tercero y último entre enero y agosto de 1511.

La bóveda, realizada entre 1508 y 1512, presenta una distribución arquitectónica en la que son adaptados los diferentes personajes de la composición fue cambiada para representar diversos asuntos del Antiguo Testamento, junto a una serie de sibilas y profetas que hablaron de la llegada de Cristo. En los lunetos sobre las ventanas y en los triángulos por encima de éstos se situarían los antepasados de Cristo mientras en las pechinas de la bóveda se narrarían cuatro historias de la salvación del pueblo de Israel.

vemos a Dios separando la luz de las tinieblas, La creación del Sol y los astros, La separación de tierras y aguas, La creación de Adán, La creación de Eva, El pecado original y La expulsión del Paraíso terrenal, Sacrificio de Noé, El diluvio universal y La ebriedad de Noé. Todas estas escenas se encuentran rodeadas por diferentes figuras desnudas (ignudis), profetas y sibilas.   Las diferentes escenas, que van de pared a pared de la bóveda, están distribuidas en una decoración arquitectónica de pilastras y entablamentos fingida.

En tierra, la figura de Adán ya está modelada, esperando ser insuflado de vida. Adán está totalmente pegado a la tierra, como surgiendo de ella. Su mano se levanta débilmente, sin fuerza propia, sin objetivo. Y en ese punto el dedo de Dios concentra toda la fuerza terrible de la creación para transmitirla a su criatura y convertirla en lo que es.

Rafael Sanzio

(6 de abril de 1483-6 de abril de 1520)

También conocido como Rafael de Urbino o simplemente Rafael, fue un pintor y arquitecto italiano.

su obra está impregnada de un equilibrado clasicismo. su estilo es la mejor expresión de la “belleza ideal”. su aprendizaje de p. de la francesca, leonardo, y m. ángel convierten a rafael en el artista que mejor representa el sincretismo renacentista.

Algunas de sus obras: Retablo Baronci (una pala de altar para la iglesia de San Nicolás de Tolentino); pinturas como, Los desposorios de la Virgen, La Escuela de Atenas, La resurrección de Cristo , Sagrada Familia con la Virgen del Velo y La coronación de la Virgen; tapices con escenas de la vida de San Pedro y

Análisis de sus obras

Obra: La Escuela de Atenas     1509 d.c.

Análisis simbólico

Plantea una ordenación ideal de la cultura humanista en clave cristiano-platónica: el saber humano como complementario de la revelación. Así, el ciclo de los frescos de las Estancias está consagrado a la celebración de las ideas de Verdad, Belleza, Bien; en la Disputa es la Verdad revelada por la religión cristiana la que es exaltada, en la Escuela de Atenas lo es la Verdad racional de la especulación filosófica.

Expresa también en esta obra la concepción propiamente renacentista de la obra artística entendida como discurso mental, no sólo traducido de forma visible, sino también como búsqueda de la "idea". Se ha querido ver en esta pintura una representación de las siete artes liberales. En el primer plano, a la izquierda: Gramática, Aritmética y Música, a la derecha: Geometría y Astronomía y en lo alto de la escalinata Retórica y Dialéctica. En definitiva una continuidad entre el conjunto del saber antiguo y moderno teniendo como protagonista al hombre.

Análisis de Composición

Platón y Aristóteles están en el centro ideal de la perspectiva de toda la composición encuadrados en el fondo del cielo por el último arco. A la izquierda Sócrates conversando con Alejandro Magno, armado. La configuración de la arquitectura del templo de la sabiduría, con los nichos de Apolo y Palas Atenea, como espacio renacentista y la representación de los sabios de la antigüedad como hombres contemporáneos de Rafael subrayan esta idea de continuidad entre el presente y el mundo antiguo.

Fresco, 770 cm

-  Stanza della Segnatura, Palacio Pontificio, Vaticano

Obra: Madonna de Belvedere (Madonna del Prato)  1506 d.c.

Análisis simbólico

Interpreta de la belleza femenina a través de sus “madonas”. Rafael es la gracia, el encanto poético, sobre todo en sus obras de juventud.

Análisis de Composición

Su paleta cromática es luminosa y colorista, pero mesurada, buscando siempre la complementariedad de los colores cálidos y fríos.                                              Óleo sobre madera
113 x 88 cm
Kunsthistorisches Museum, Viena

Tintas ancestrales -Amaru Cholango-Exposición galería de arte ilena Viteri

Tintas ancestrales 

Amaru Cholango

Exposición galería de arte ilena Viteri

AMARU MANUEL CHOLANGO.

Sierra ecuatoriana, 1950

Vive y trabaja en Colonia, Alemania.

Cholango vagabundeó por Inglaterra y por París, con la equívoca idea de que el arte se encontraba allí. Hasta que llegó a Alemania, a Tréveris. Y allí se paró sobre las bases de su cultura andina y de su identidad, para hacer un arte que -dice- es premonición del futuro; se orienta a lo que vendrá.

En sus obras también expresa el legado de sus tradiciones ancestrales, y lo hace utilizando instrumentos de tradición popular andina como san las tintas vegetales usadas por sus padres para tinturar ponchos.

Obra: “siete tintas”

Periodo 2008-2013

ANÁLISIS SIMBÓLICO

De esta obra se puede percibir que expresa una inmensidad se puede decir que describe un desierto lo cual no puede indicar que simbólicamente representa vacío, silencio, paz, tranquilidad, diera la impresión de que el autor tratara de captura como el tiempo no pasara en ese ambiente.   

ANÁLISIS DE COMPOSICIÓN

Este cuadro está compuesto prácticamente de tinta y papel

Sus colores son llanos, es una composición en escala de grises  en el centro enmarcada por un margen de color negro, brindando así un contraste muy claro en el centro del cuadro.

COMENTARIO

A mi parecer visual el autor toma un ambiente desolado y lo expresa desde su percepción artística logrando transmitir las sensaciones que percibe en este paisaje. Emplea técnicas muy simples y muy antiguas como son las tinta vegetales, es impresionante las tonalidades alcanzadas al emplear este tipo de tintas en su obras.

Obra: “siete tintas”

Periodo 2008-2013

ANÁLISIS SIMBÓLICO

D esta obra podemos apreciar visualmente dos figura de animales que se encuentran sobre un campo, lo cual me lleva a pensar que su carácter simbólico puede ser el trabajo del campo con una técnica muy ancestral como son el emplear bueyes para arar las tierras y prepararlas así para sembrar.

ANÁLISIS DE COMPOSICIÓN

En este cuadro podemos distinguir dos colores principalmente

Tenemos un color café sobre puesto a un color amarillo pálido

Es muy interesante la composición de tonos que se logra al sobreponer los uno con otro

Las figuras presentadas dan la impresión de tener un aspecto muy primitivo similar al de  los dibujos realizados en las paredes de cuevas y cavernas antiguas.

COMENTARIO

Es cuadro muy simple básicamente compone dos colores que al contrastarse brinda una calidad de tonos muy agradables. Su composición presenta figuras muy abstractas de animales mezcladas con un ambiente de campo, se logra percibir un agradable composición de belleza muy simple y primitiva.

Obra: “siete tintas”

Periodo 2008-2013

ANÁLISIS SIMBÓLICO

En esta pintura encontramos básicamente que las diferentes interposiciones de líneas nos describen la llanura de una montaña lo cual simbólicamente podríamos definir que el autor describe este paisaje y se refiere a la vida que se desarrolla en medio de estas monumentales montañas que tienen que ver de dónde se desarrolló parte de su vida y de donde provienen las raíces de sus costumbres ancestrales, vendría a ser los cimientos de su cultura.

ANÁLISIS DE COMPOSICIÓN

Podemos describir de esta pintura enmarcada en un margen oscuro

Describe un paisaje

La composición de sus colores es una tonalidad no muy marcada sino ligera lo cual crea un contraste con el margen y le da profundidad  a esta pintura

Está compuesta de líneas que se superponen dando la imagen de una montaña

COMENTARIO

En esta obra puedo encontrar que el autor nos transmite la imagen de este paisaje muy propio de nuestra región y de nuestro país que se encuentra plagado de montañas que sobre salen desde los cascos de la diferentes ciudades de nuestro país.